David y la vida moderna

La vida y obra de Jacques-Louis David (1748 – 1825), el más prominente exponente de la pintura neoclásica, asemeja tan lejana a nuestra vida cotidiana que es fácil de juzgar como algo de interés exclusivo de los estudiosos y curadores de museos, una cuestión estrictamente restringida al ámbito de lo académico. La atmósfera intelectual contemporánea favorece una visión que toma a la obra de David solo en calidad de un lastre pesado y viejo, tanto como puede serlo cualquier otro pintor clásico, siendo esto un dogma de nuestros tiempos. De tal manera, un artículo sobre David parece fuera de lugar al momento de debatir la cultura y vida contemporánea, pero al escribir estas líneas espero demostrar lo contrario.
La pintura de Jacques-Louis David surgió y se forjó en las tempestades de la decadencia de la monarquía absoluta, la revolución francesa (1789) y el régimen napoleónico, su obra pictórica estuvo ligada a una vida intensa y comprometida. Su aprendizaje pictórico se dio en los tiempos de esplendor de la pintura rococó, con sus colores pasteles, sus formas amaneradas que retrataban la frivolidad de los aristócratas de la corte del rey, ejemplo de aquello es la famosa pintura “El columpio” (1766) de Jean-Honoré Fragonard que condensa esa banalidad característica de la vida íntima de la aristocracia. David es contrario a la corriente predominante de su tiempo, da la espalda a la colorida vida cortesana y vuelve su mirada a las sobrias formas de la antigüedad griega y romana.

Jean-Honoré Fragonard «El Columpio» (1766)

En contraposición a la frivolidad de la corte francesa surgía la Ilustración, el pensamiento de Diderot, Rousseau, Montesquieu, Holbach ayudaba a conformar el ideal de un mundo nuevo que reemplazaría al Ancien Régime. Johann Winckelmann en su “Historia del arte en la Antigüedad” elaboraría este nuevo ideal en el campo del arte, un ideal de belleza que para Winckelmann, en consonancia con las tendencias Ilustradas, se basaba en un culto a lo antiguo, el arte de la Antigua Grecia venía a ser la medida de todo lo bello, y los dioses griegos plasmados en piedra eran la encarnación de las virtudes humanas e imagen de la razón divina. Esta concepción del arte deja atrás el viejo concepto de belleza como placer sensorial, a juicio del pensador soviético Mijaíl Lifschitz con Winckelmann “se introducen en la historia del arte los principios del dominio de lo general, la belleza típica sobre la expresión, la idea sobre el placer sensorial, el dibujo sobre el color, la forma sobre la belleza” 1. Jacques-Louis David no es ajeno a los dilemas de su época, se declara partidario de los ideales de la Ilustración rebelándose contra la insustancialidad de la vida aristocrática y la degeneración moral del viejo régimen; la antigüedad griega es el modelo de sociedad, de individuo y de virtud, por eso David diría sobre sus propias obras: “Yo veo que mis obras portan el carácter de la antigüedad, a un punto que, si un ateniense volviese a la vida le parecería que fueron pintadas por un griego”2.

Jacques-Louis David «El juramento de los Horacios» (1785), debe tenerse en cuenta que el saludo romano no poseía las connotaciones políticas que adquirió en el siglo XX.

La pintura “El Juramento de los Horacios” (1785), plasma la concepción de sobriedad y supremacía de “la idea sobre el placer sensorial”, la perspectiva y la cromática opaca del fondo sirve para resaltar a los personajes. David deja en un segundo plano el ambiente de la acción, lo principal son los personajes, figuras rígidas que transmiten un estricto mensaje de virtud cívica. Contrario al frívolo columpio de Jean-Honoré Fragonard en “El juramento de los Horacios” el ideal es la virtud cívica, que se impone a las conveniencias e incluso a los afectos personales, la imagen creada por David es trágica, pero es una tragedia producto de una virtud que el pintor elogia.

“La historia se toma de Livio. Estamos en la época de guerras entre Roma y Alba, en 669 a.C. Se ha decidido que la disputa entre las dos ciudades debe resolverse mediante una forma de combate inusual por dos grupos de tres campeones cada uno. Los dos grupos son los tres hermanos Horacio y los tres Curiacios. El drama radica en el hecho de que una de las hermanas de los Curiacios, Sabina, está casada con uno de los Horacios, mientras que una de las hermanas de los Horacios, Camila, está prometida a uno de los Curiacios. A pesar de los lazos entre las dos familias, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres.” 3

Al estallar la revolución, David se une a la causa jacobina y mantiene una relación cercana con Robespierre, Marat y Saint-Just. Al ser asesinado Marat, el pintor le rinde homenaje en “La muerte de Marat” (1793). La figura del revolucionario es mucho menos rígida de lo que son los personajes de “El Juramento de los Horacios”, Marat es retratado inspirándose en elementos de las pinturas renacentistas sobre la muerte de Cristo, en cierto sentido Marat es un nuevo Cristo pero no es un mesías divino, sino un ser humano, digno de admiración verdad, pero humano en última instancia. “La muerte de Marat” retoma el tema de la virtud, esta vez en la figura del mártir que luchó y murió por un nuevo mundo, pero es importante dejar sentado que la virtud a la que David aspira es terrenal, no requiere de religión, Iglesia o sermón, surge de la vida misma y no de principios sobrenaturales.

Jacques-Louis David «La muerte de Marat» (1793)

Lifschitz, ya citado antes, escribía que el ideal humanista de Winckelmann de “simple nobleza y calmada grandeza esconde en sí la evolución al espíritu frío y jerárquico del siglo XIX”4, los retratos descoloridos, sin carácter y de belleza abstracta que inmortalizaban a figuras de poder. En David ya se hace evidente esta contradicción en sus pinturas del período napoleónico. Perseguido durante la reacción del Thermidor, el pintor ve en el joven militar una personalidad férrea capaz de realizar los ideales de la revolución. En “Napoleón cruzando los Alpes” (1801), a diferencia de en otros retratos realizados por David, se nota una fuerte idealización del sujeto retratado sin que esto deje de evocar a la antigüedad griega.

Jacques-Louis David «Napoleón cruzando los Alpes» (1801)

Para la comprensión de este giro resulta útil el citar las palabras del filósofo Evald Iliénkov: “La bandera tricolor del ideal escapó de sus manos al directorio, quien también resultó débil para sostenerla en lo alto. Entonces, la atrapó el oficial de artillería Napoleón Bonaparte. Alto elevó él la ondeante bandera y condujo al pueblo tras ella al estruendo y el humo de las batallas… Y una bella mañana los hombres vieron con asombro que bajo la capa del oficial revolucionario se ocultaba un viejo conocido –el monarca. Vieron que, andando bajo redoble de tambor medio mundo, regresaron allá desde donde salieron en 1789, vieron que de nuevo, como antes, rodeaban la corte del emperador Napoleón I rapaces burócratas, funcionarios, popes mentirosos y damas libertinas a los que, de nuevo, hay que entregarles el último céntimo, el último pedazo de pan, el último hijo.” 5 El ideal de lo bello que fustigó tan duramente la corrupción de la corte de Luis XVI, no pudo más que demostrar impotencia ante las intrigas de la corte napoleónica, las concepciones del neoclasicismo demostraron su carácter abstracto y a-histórico, todas sus debilidades se hicieron evidentes: “la representación sobre una belleza media típica capaz de subordinar toda la diversidad de las situaciones de la vida, el ideal de armonía formal y la contraposición abstracta de belleza y fealdad”6.
¿A qué viene todo esto? ¿Qué tiene esto de relevante para nosotros en el siglo XXI? Tiene importancia… La vacuidad de la frivolidad cotidiana no nos ha abandonado, continua presente y tal vez con más fuerza que a finales del siglo XVIII, a este fenómeno se le da muchas explicaciones, unos la deducen como consecuencia inevitable de la sociedad de masas, otros ven como culpable a la kulturindustrie, sin nombrar otras tantas teorías. Curiosamente las miradas críticas que alzan su voz contra la banalidad del siglo XXI caen con frecuencia en el cinismo, la tentación de ver a las manifestaciones de la decadencia contemporánea como rasgos inherentes a la naturaleza humana es la puerta que lleva a hacer las paces con esta misma decadencia a través de una actitud que mira con sonrisa burlona la realidad. Es probable que la convicción en el ideal de belleza que Jacques-Louis David defendió y pintó solo produzca una reacción de escepticismo y se mire con cierto desprecio, para de inmediato volver a la intrascendencia de la cotidianidad, tal forma de proceder no es más que una falsa forma de pensamiento crítico. Al ideal de armonía formal del neoclasicismo de David bien se le puede hacer la observación de que la realidad nunca se nos presenta en forma de armonía pura, que semejante ideal solo encubre las llagas de las contradicciones de la realidad social, este argumento no carece de razón, pero el camino a la crítica verdadera de los vicios de la sociedad moderna no pasa por la llana negación de todo ideal de belleza o su denuncia como una simple forma de falseamiento de la realidad, la crítica también debe nutrirse de los ideales positivos de belleza propuestos por los humanistas del siglo XVIII pues el ideal, el “deber ser”, es una fuente indispensable de la cual beber en la búsqueda de aquellos caminos que llevarán a sanar las lacerantes llagas sociales del mundo de hoy. En la obra de David, tanto en su búsqueda de dar forma de imagen sensible a la moralidad, virtud y civismo, como en sus retratos en los que tras el ideal neoclásico se deja sentir un espíritu frío y jerárquico típico de un ideal puramente formal, encontramos elementos que nos permiten reflexionar sobre la manera de superar tanto la intrascendencia de la frivolidad cotidiana, como la falsa postura crítica del cinismo.

1. Мих. Лифшиц, “ИОГАНН ИОАХИМ ВИНКЕЛЬМАН И ТРИ ЭПОХИ БУРЖУАЗНОГО МИРОВОЗЗРЕНИЯ”, Собрание сочинений в трех томах. Том II. Москва, «Изобразительное искусство»,1986, С. 57 – 113.

2. Vie de David (1826), A. Th. (Thomé ou Thibaudeau), éd. Imprimerie J. Tastu, 1826, p. 13

3. es.wikipedia.org/wiki/Juramento_de_los_Horacios

4. Мих. Лифшиц, “ИОГАНН ИОАХИМ ВИНКЕЛЬМАН И ТРИ ЭПОХИ БУРЖУАЗНОГО МИРОВОЗЗРЕНИЯ”, Собрание сочинений в трех томах. Том II. Москва, «Изобразительное искусство»,1986, С. 57 – 113.

5. Evald Iliénkov, “De ídolos e ideales”.

6. Мих. Лифшиц, “ИОГАНН ИОАХИМ ВИНКЕЛЬМАН И ТРИ ЭПОХИ БУРЖУАЗНОГО МИРОВОЗЗРЕНИЯ”, Собрание сочинений в трех томах. Том II. Москва, «Изобразительное искусство»,1986, С. 57 – 113.

Pantera: «Far Beyond Driven»

Banda: Pantera
Título: Far Beyond Drive
Año: 1994
Sello: East West Records
País de origen: Estados Unidos

Hoy se cumplen 20 años del lanzamiento de «Far Beyond Driven» único disco de metal extremo en alcanzar el #1 de la Billboard, y esto fue en una época en que la crítica «experta» había declarado la muerte del metal en favor del rock alternativo. El significado de «Far Beyond Driven» va más allá de su extraordinario éxito en ventas, con este trabajo Pantera logró encarnar el sueño de una nueva generación de metaleros, un nuevo sonido que no hiciera la menor concesión a lo comercial y que, sin embargo, sea extremadamente refrescante. «Far Beyond Driven» lo es, al mismo tiempo que Pantera es fiel a sus influencias de metal clásico (Kiss y Black Sabbath) es capaz de conjugar sonidos que venían del hardcore, death-metal, sludge e industrial, por eso, para quienes empezamos a escuchar música extrema en esos tiempos este disco marcó el ideal a realizar, lo que nos diferenciaba del culto nostálgico al metal ochentero. Por supuesto, Pantera no era la única banda que participaba de esta renovación, al mismo tiempo estaban presentes Prong, Sepultura, Machine Head, Fear Factory, Only Living Witness y muchos otros, a los que hoy se los clasifica como «Groove metal», aunque cabe aclarar que durante mucho tiempo el término «Groove» no existió para designar este tipo de música, a esta se la conocía por un nombre que era más sugestivo pues expresaba su espíritu: metal de los 90`s (por favor, no confundir con el nu-metal que es algo completamente diferente).
Musicalmente «Far Beyond Driven» mostraba una forma diferente de hacer música extrema, más que basada en velocidad orientada a los riffs, la distorsión de bajo y los ritmos elaborados, en esto último es de destacar la labor de Vinnie Paul en el doble bombo que a lo largo del disco es toda una obra maestra; el fallecido Dimebag Darrell además de sus extraordinarios riffs introduce lo que hasta la fecha era algo desconocido, el solo de guitarra como un elemento extremo y disonante lo que se deja escuchar en «Becoming» y «5 Minutes Alone»; Phil Anselmo llega a perfeccionar su estilo vocal convirtiéndolo en un instrumento que complementa los riffs ensalzando la potencia de la música, esto se puede escuchar fácilmente en «I`m Broken» y «Slaughtered»; Rex Brown crea el elemento de fondo perfecto y en muchos pasaje es el protagonista, como se nota en «Good Friends and a bottle of pills» y «Use my third arm». A diferencia de en «Cowboys From Hell» y «Vulgar Display Of Power», las líricas de «Far Beyond Driven» se alejan de la crítica social para enfocarse en experiencias personales, lo cual siempre fue para mí el punto flaco de este disco, pero es solo mi opinión. Para quienes crecimos con este disco su 20 aniversario es una oportunidad para escucharlo y revalorarlo, pues como en toda creación profunda siempre se puede encontrar cosas nuevas que hagan de esta una experiencia más interesante. Para los que no lo han escuchado ¿Qué esperan?

Calificación: 10 / 10

Diez años del Colapso

Se cumplen diez años de la conformación de la agrupación quiteña Colapso, a quienes yo escuchará por primera vez el 15 de mayo de 2004. ¿Cómo definir a Colapso? Estoy consciente que puede resultar poco agradable clasificar a un grupo dentro de un género, muchos músicos se resisten a aquello, sin embargo, la realidad es que existen tendencias en la música y si no caemos en los excesos de hiper-etiquetar, la clasificación en géneros tiene su validez. En sus inicios, la música de Colapso se me hacía muy cercana a lo realizado por Dead To Fall, Heaven Shall Burn o Fall Of Serenity, esto es, una banda con una actitud más cercana a la escena hardcore pero con una influencia musical anclada en el metal extremo, en especial, en el death-metal sueco, esto por supuesto ha cambiado con los años y Colapso hoy en día presenta una identidad musical diferente, si se quiere, más extrema, más técnica, pero que no deja de tener un vínculo con su sonido original.

Desde los orígenes de la banda pude acompañar su trayectoria, al asistir a sus conciertos y hablar con sus integrantes, creo estar en posición de afirmar que Colapso ha sabido sobrellevar las dificultades que ofrece nuestro medio, y por su constancia ha roto diversas barreras y prejuicios logrando hacerse de un nombre en la escena nacional e internacional. Con gran diligencia pudieron realizar varios trabajos en estudio entre los que incluyen su EP «Split» junto a los brasileños Paura o su disco «Destino Infierno». En las placas que han editado también se reflejan los cambios en la formación de la banda, diversos bajistas y guitarristas, lo cual evidencia que Colapso es un proyecto en cual todos los integrantes entran a colaborar y dar su contingente sin distinción.
No todos los días una banda de metal extremo cumple diez años, esto es un mérito, pero el mayor mérito de Colapso está en su búsqueda constante de nuevos sonidos y su trabajo incansable.

Todas las imágenes ha sido tomadas de: www.facebook.com/ColapsoEcuador/

All Pigs Must Die: «Nothing violates this natures»

Banda: All Pigs Must Die
Título: Nothing violates this nature
Año: 2013
Sello: Southern Lord
País de origen: Estados Unidos

Esta agrupación formada por miembros de afamadas bandas de la escena hardcore como Converge y The Hope Conspiracy nos impacta con su tercer trabajo en el cual no arrugan de lo ya mostrado en sus dos anteriores entregas. Para comprender mejor lo que es All Pigs Must Die, debemos retomar los acercamientos entre el thrash y el hardcore típicos de la escena Holy Terror de los años 90, aquí de referencia indispensable son Integrity, Catharsis, All Out War y muchos más, pero no solo eso, otro antecedente lo tenemos en el sludgecore surgido en la ciudad de New Orleans con EyeHateGod, Crowbar y Acid Bath, en lo posterior, a inicios del siglo XXI, agrupaciones crust como His Hero Is Gone y Tragedy comenzaron a fusionar todos estos elementos, a lo que seguiría la brutalidad musical de los canadienses The Cursed, para finalmente llegar, en los inicios de la década actual, a una generación entera de músicos que influenciados por esta herencia la llevan por sus propios derroteros, a esto se ha dado en llamar de hardcore negativo o dark hardcore. Dejando de lado las etiquetas, que solo tienen un valor relativo, en “Nothing violates this nature” los All Pigs Must Die nos muestran una mayor limpieza de producción y si se puede decirlo, una técnica más depurada, a los momentos veloces les siguen interesantes variantes de lentitud en la que los riffs pesados y las guitarras armónicas logran crear interesantes oscuras atmósferas, esto se logra sin que la música pierda su carácter energético, al tiempo que los elementos “sludge” en los diversos cortes no resultan excesivamente densos. En resumen, estamos frente a una producción bastante equilibrada que lleva al género a un nuevo nivel. Las líricas tampoco decepcionan con el carácter frontalmente anti-religioso y provocativo que se ha hecho característico de All Pigs Must Die. Un trabajo recomendable para aquellos interesados en lo nuevo de la escena hardcore-metal subterránea.

Calificación: 9 / 10

Ennio Morricone: «Queimada»

Compositor: Ennio Morricone

Título: «Queimada»

Año: 1969

Estudio: United Artists

La multifacética obra del compositor italiano Ennio Morricone forma parte integral de la historia del cine en el siglo XX. Obviamente, sus composiciones para producciones como «El bueno, el malo y el feo», «Por unos cuantos dólares más» o «La misión» son mucho más conocidas que la banda sonora de «Queimada». A pesar de aquello, los hechos alrededor de está banda sonora le dan un mayor atractivo.

«Queimada» fue la primera y única producción con un estudio de Hollywood que realizare el director italiano Gilo Pontecorvo, quién ya había alcanzado fama por sus obras previas: «La batalla de Argel» y «Kapo». La apuesta era grande, pero los obstáculos también. La historia de «Queimada» fue accidentada, primero las presiones de la dictadura de Franco que se sentía ofendida por el guión, luego el rechazo de Paul Newman y Sidney Poitier a protagonizar el film por considerar la trama «muy anti-americana». Serían Marlon Brando y el colombiano Evaristo Márquez quienes encarnarían los roles principales, aunque luego esta sería censurada por la United Artists. Tal fue la experiencia que Pontecorvo se alejó de las camaras por 10 largos años.

La banda sonora compuesta por Ennio Morricone sabe captar la esencia de la historia de «Queimada», la cual es una analogía a la historia de la Revolución Haitíana. La independencia que en sus resultados concretos se alejó de los ideales pero colocó a la humanidad frente al objetivo de desterrar la esclavitud de una vez y para siempre. Ennio Morricone combina la música sacra latina con percusión afro-caribeña, y son estos elementos los que se distribuyen en diversas proporciones para dar textura emocional a las secuencias del filme, tal vez, este sea el punto más bajo de la banda sonora, pues a momento su tono es en exceso minimalista y repetitivo. Pero su mayor mérito esta en capturar la idea de la abolición de la esclavitud como uno de los grandes hitos en la historia humana, pero no al estilo de esa mala consciencia que es tan usual en los europeos, el segmento «Abolição», primer corte de la banda sonora, es un canto victorioso a la rebelión de los esclavos, lleno de optimismo pero carente de esa santurronería a la que se suele recurrir cuando se trata la cuestión de la esclavitud.

Calificación: 8.5 / 10

The Kindred : «Life in lucidity»

Banda: The Kindred

Título: Life in lucidity

Año: 2014

Sello: Sumerian Records

País de origen: Cánada

Tras su debút «Lore» del 2011, para los canadienses no solo han pasado los años, la situación se ha trastornado radicalmente. Del 2011 al 2014, el sonido progresivo y melódico que bebe del manantial de Meshuggah y el Post-metal de inicios del siglo XXI, ha pasado de ser un fenómeno marginal a convertirse en una tendencia muy marcada cuya extrema complejidad a momentos se tiende a simplificar con la denominación de «djent». En «Life in lucidity», The  Kindred presenta todos los elementos y «estereotipos» del djent, desde las guitarras con una baja afinación, pasando por el sonido mecánico hasta unas vocalizaciones que más parecen corresponder al metal alternativo de finales de los 90, ciertamente que TesseracT se nos viene de inmediato a la cabeza, pero The Kindred sabe como utilizar todos estos elementos que no le resultan ni postizos ni ajenos, y el resultado es un disco que considero extremadamente recomendable para quienes gusten de lo más melódico de Isis, Neurosis y (¿por qué no?) del rock psicodélico de los 70’s. Lo más destacable de «Life in lucidity» es que carece de esta pretensión que resulta tan tentadora en ciertos momentos para los géneros progresivos, esto le da cierto equilibrio, algo bastante raro en este estilo musical.

Calificación: 7.5 / 10